Gleznas un zāļu apraksts
Baroka stila ieeja
Ieejot zālē, viesus sagaida eleganta glezna "La Camare Dancing", ko radījis franču mākslinieks Nikolā Lankrē.
Šis mākslas darbs uzreiz nosaka telpas noskaņu — vieglu, izsmalcinātu un mākslinieciskas izsmalcinātības piepildītu.
Dejotājas kustība, kas sastingusi laikā, atgādina par Eiropas baleta un salonu zelta laikmetu. Glezna nav tikai dekorācija; tā kļūst par zāles sirdi, sagaidot visus, kas ienāk muižā, un aicinot viņus pasaulē, kur māksla caurstrāvo pašu arhitektūras un atmosfēras audumu. Figūru un ainavas savijums sarežģītā izliektā dizainā iemieso rokoko stilu. Krāsu palete piešķir kompozīcijai maģisku kvalitāti, apvienojot dabas ideju ar teātra fantāziju. Tāpat kā Silajāņu muižā — Ābolu muižas un dārza kompleksā, kur māksla un daba ir savijušās, šī zāle kļūst par ievada akordu simfonijā, kas aptver visu ēku. Šeit katra detaļa — sākot no gleznām līdz sienu tekstūrām — atspoguļo manu tieksmi radīt telpu, kurā izzūd robežas starp māksliniecisko ieceri un dabisko harmoniju.
1
Zīda apdruka. La Camare Dancing. Oriģināls: eļļa uz audekla.
Nikolā Lankrets, apm. 1730. gads.
Nacionālā mākslas galerija, Vašingtona, ASV
Mākslinieki (kuri ir arī Apple muižas īpašnieki) ir apzināti savijuši mākslu un dabu katrā muižas telpā, pārvēršot interjeru par dzīvu galeriju, kur dabas ritmi atbalsojas gleznu līnijās, skulptūru plastikā un dekoratīvajos rakstos. Katra zāle un telpa stāsta savu stāstu — par gaismas deju, dārza elpu, vecās sienas klusumu.
Uz sienām kreisajā un labajā pusē no galvenās ieejas atrodas divas reprodukcijas uz audekla, kuru autors ir austriešu gleznotājs Hansa Zacka.
Daudzi Zackas darbi bija reliģiskas gleznas un altāra gleznas, kas veltītas dažādām baznīcām Austrijā. Tomēr viņš ir vairāk pazīstams ar savām gleznām, kurās attēlotas sievietes, fejas un citas fantastiskas ainas. Bieži vien viņš iedvesmojās no Riharda Vāgnera darbiem un brāļu Grimmu pasakām. Interesants fakts — lai palielinātu pārdošanas apjomus un apietu galeriju ierobežojumus, viņš izmantoja vairākus pseidonīmus, piemēram, H. Zabateri un J. Bernards, apgrūtinot daudzu viņa gleznu izcelsmes un pašreizējo atrašanās vietu izsekošanu.
1a
Hans Zatzka “Fairy dance” oil on canva, 1920. Austria private property
1b
Hans Zatzka “Nymphs dance” oil on canva, 1921. Austria private property
"Guļošā gane", 1760.–1763. g., Fransuā Bušē, Rezidences galerija, Zalcburga
"Makšķernieks" apm. 1759. g.,
Fransuā Bušē, privātkolekcija.
“Vai viņi domā par vīnogām?”, 1747, Fransuā Bušē, Čikāgas Mākslas institūts, Čikāga, ASV
Laipni lūdzam Mākslas zālē
Šī Mākslas zāle ir veidota Austrijas baroka stilā un veltīta 18. gadsimta franču mākslai.
Zāles centrā ir četras Fransuā Bušē (François Boucher, 1703–1770) gleznu reprodukcijas — izcila franču gleznotāja, zīmētāja, ornamentu mākslinieka, graviera un dekoratīvās mākslas meistara darbi. Viņš bija viena no galvenajām 18. gadsimta franču mākslas figūrām un spilgts rokoko stila pārstāvis.
Bušē bija ārkārtīgi ražīgs mākslinieks, radot milzīgu daudzumu zīmējumu, skiču, gleznu, grāmatu ilustrāciju, gravīru un dekoratīvās un lietišķās mākslas darbu — viņš veidoja operu un teātra dekorācijas, gobelēnu dizainu Karaliskajai Gobelēnu manufaktūrai, apgleznoja Sēvras porcelānu, rotāja vēdekļus un darināja miniatūras.
Savās žanra ainās Bušē meistarīgi attēloja interjera detaļas, sieviešu tērpus ikdienas nodarbēs vai sarunās ar kalponēm, mātes vai guvernantes ar bērniem pie galdiem — viss caurstrāvots ar noskaņu un eleganci.
Zīda apdrukas reprodukcijas ar viņa gleznām tika uzdāvinātas Silajāņu muižas īpašniekiem kā pateicība par ieguldījumu kultūras mantojuma saglabāšanā — jo paši muižas īpašnieki ir mākslinieki un restauratori, kas sevi veltījuši kultūras vērtību kopšanai.
Izcilākie darbi.
Šeit redzamās gleznas nav vienkāršas reprodukcijas, bet gan īpaši uz zīda izpildītas kopijas, radītas, izmantojot tehnoloģiju, ko izmanto muzeji, kad oriģināli netiek izstādīti. Šāda metode ļauj skatītājam gandrīz neatšķirt, vai priekšā ir oriģināls vai kopija — tās ražošana ir sarežģītāka, dārgāka un kvalitatīvāka nekā tradicionālās reprodukcijas.
Viens no darbiem ir Fransuā Bušē (1703–1770) glezna “Guļošā ganu meitene”, kas attēlo jaunu ganu, aizmidzušu pļavā, ieskautu dabas, ar ganu nūju, grozu un aitām. Viņas graciozā poza un viegli atvērtā kleita piešķir attēlam smalku erotisma pieskaņu, kas raksturīga rokoko estētikai. Glezna nav domāta kā reālistisks lauku dzīves atainojums, bet gan kā idealizēta pastorālā idille, kur jutekliskums un rotaļīgums savijas ar izsmalcinātu skatījumu uz dabu un mīlestību. Šādi tēli — ganu meitenes, kupīdi, mūzas un dievietes — bija īpaši iemīļoti Luija XV galmā, kura favorīte madāma de Pompadūra bija Bušē mecenāte un pasūtīja no viņa līdzīgas ainas. Gleznas oriģināls atrodas Luvrā, Parīzē, taču zināmas arī vairāk nekā 10 citas šīs kompozīcijas versijas un kopijas, radītas paša Bušē vai viņa darbnīcā. Šī uz zīda veidotā kopija ir dāvana Silajāņu muižas īpašniekiem par ieguldījumu kultūras mantojuma saglabāšanā.
Otrs eksponētais darbs ir “Makšķernieks” (ap 1759. gadu) — arī īpaši uz zīda veidota kopija. Oriģinālais gleznojums atrodas privātā kolekcijā (īpašnieks nav publicēts), un Luvras un Metropolitēna muzeja mākslas vēsturnieki joprojām debatē, vai tā ir reta Bušē vēlīnā perioda glezna vai viens no viņa paša radītajiem variantiem.
2
.jpg)
3
4
“Vai viņi domā par vīnogām?”, 1747 — Šī Fransuā Bušē glezna oriģināli atrodas Čikāgas Mākslas institūtā. Jautrais un daudznozīmīgais nosaukums atspoguļo arī pašas gleznas noskaņu. Tās sižets balstīts uz 1745. gada pantomīmu par jauna gana mīlestības uzplaukumu pret ganu meiteni. Abi attēloti barojot viens otru ar vīnogām — augli, kas saistīts ar Bakhu (Dionīsu), vīna un baudkāres dievu —, tādējādi uzsverot, ka viņu tuvība nav pilnībā šķīsta.
Fransuā Bušē pastorālās kompozīcijas veido vienu no viņa nozīmīgākajiem ieguldījumiem 18. gadsimta franču mākslā. Šīs sulīgās un rotaļīgās lauku dzīves fantāzijas tika radītas galvenokārt turīgu aristokrātu un finanšu magnātu personīgajam priekam, un tām bija maz sakara ar reālajām tā laika zemnieku dzīves apstākļu skarbajām ikdienām.
Pretējā pusē redzama vēl viena Fransuā Bušē gleznotās “Gadalaiku” sērijas kopija — “Pavasaris”. Oriģinālais mākslas darbs atrodas Frika muzejā — vienā no prestižākajiem un izsmalcinātākajiem mākslas muzejiem Ņujorkā, Manhetenas Upper East Side rajonā. To dibināja industriālists un kolekcionārs Henrijs Klejs Friks (Henry Clay Frick, 1849–1919), kurš novēlēja pilsētai savu privāto mākslas kolekciju un muižtipa savrupnamu, kurā tā atradās.
“Gadalaiku” sērija atspoguļo Bušē interesi par alegoriskām tēmām un viņa meistarību noskaņu radīšanā caur žanra ainām. “Pavasaris” iemieso rokoko ideālus — tieksmi pēc skaistuma, izsmalcinātības un harmonijas.
Interesanti, ka Bušē radīja vairākas šo darbu versijas, tostarp “Pavasari”, kas liecina par tēmas popularitāti un pieprasījumu tolaik mākslas pasūtītāju vidū.
Silajāņu muižas zālē šī glezna uz zīda veidotā kopijā ir izvietota ar uzsvaru uz emocionālajām detaļām, kas ļauj dziļāk sajust attēloto tēlu noskaņu un pārdzīvojumus (oriģinālā kompozīcija ietver arī plašāku ainavu ap varoņiem). Šis ir viens no spilgtākajiem darbiem visā mākslinieciskajā ciklā.
5
Fransuā Bušē “Četri gadalaiki. Pavasaris”, 1755.
Pie citas sienas izvietota Luisa Alvaresa Katala (Luis Alvarez Catalá) gleznas “Gatavojoties masku ballei” kopija — audekls gleznots 1881. gadā Romā.
6
Šī spāņu mākslinieka glezna attēlo ainu no izsmalcinātas masku balles, kas raksturīga galantajam žanram un rokoko stilam.
Attēlā redzamas eleganti ģērbtas dāmas un kungi 18. gadsimta tērpos, iegrimuši svētku un koķetērijas atmosfērā.
Rūpīgi izstrādātas interjera detaļas, izsmalcināti tērpi un tēlu smalkās žestu līnijas rada teatralitātes sajūtu un romantisku nostalģiju pēc aizgājušā laikmeta.
Masquerade. Luis Alvarez Catala. Oil on canvas 1881
19.gadsimtā Eiropā uzplauka interese par iepriekšējiem gadsimtiem, īpaši par 18. gadsimtu, kuru uztvēra kā izsmalcinātības un jutekliskas brīvības laikmetu. Gleznas kā “Gatavojoties masku ballei” kļuva par sava veida “logu” uz idealizētu pagātni, un tās bija īpaši iecienītas aristokrātu un buržuāzijas aprindās.
Katala, tāpat kā daudzi viņa laikabiedri, ne vienkārši kopēja vēsturiskus sižetus, bet centās nodot aizgājušā gadsimta noskaņu — tā vieglumu, izsmalcinātību un rotaļīgo garu. Masku balle kā tēma kalpo kā simbolisks duālisms — tā ir vienlaikus gan svētki, gan slēpšanās, gan brīvība, gan ilūzija.
Gleznotā darba zīda kopija tika uzdāvināta Silajāņu muižas īpašniekiem no muzeja kuratora pēc viņu vizītes Prado muzejā Itālijā 2010. gadā. Oriģināls ilgu laiku atradās privātā kolekcijā un tika pārdots izsolē 2012. gadā; jaunā īpašnieka vārds nav atklāts.
Pati zāle ir veidota, lai radītu 18. gadsimta franču aristokrātiskā salona atmosfēru. Tajā atrodas antīkas mēbeles Austrijas baroka stilā, kas harmoniski saskan ar ēkas arhitektūru un rada pilnīgu iegrimi izsmalcinātas skaistuma pasaulē.
Glezna “Solo koncerts” ir viens no izcilajiem itāļu mākslinieka Vitorio Redžanīni (Vittorio Reggianini, 1858–1939) darbiem — žanra glezniecības meistara, kurš pazīstams ar saviem elegantajiem 18. gadsimta Eiropas buržuāzijas dzīves ainu attēlojumiem.
7
Gleznojuma kopija ir izpildīta uz audekla un tika pasniegta kā dāvana. Oriģinālais darbs atrodas privātā kolekcijā un nekad nav ticis izstādīts publiski. Pats mākslinieks Vitorio Redžanīni, līdzīgi kā Fransuā Bušē, mīlēja radīt vairākas vienas kompozīcijas versijas un ainas ar līdzīgu sižetu.
Redžanīni kļuva slavens kā salonglezniecības autors, un katrā viņa darbā var atrast dziļu simbolismu un metaforas.
Vitorio Redžanīni savos darbos izmanto dažādus tēlus un alegorijas, lai nodotu savas domas un idejas. Katra detaļa uz audekla ir ar nozīmi un slēpj noslēpumus, kas atklājas tikai vērīga skatītāja acīm. Pavērojiet, kā meiteņu skatieni savijas, un kā glezna gleznā atspoguļo sižeta noskaņu un garu.
Solo koncerts. Vittorio Reggianini (datums nav zināms. Aptuveni 1920)
Vēl viena Vitorio Redžanīni gleznas “Lasīšana” kopija no tās pašas sērijas tika iegūta Silajāņu muižas īpašnieku īpašumā pēc apmeklējuma Gutenberg muzejam Maincā (Vācija).
Šajā muzejā (Gutenberga muzejs, Mainca) atrodas lielākā šī mākslinieka darbu kolekcija. Oriģinālā glezna atrodas privātā kolekcijā un publiski pieejama vienīgi kā reprodukcija. Tāpat kā citos mākslinieka darbos, arī “Lasīšanā” valda simbolisms un metaforas. Redžanīni darbi ļauj ielūkoties attēloto cilvēku dvēselēs un sajust viņu emocijas.
Viņš meistarīgi attēlo ne tikai ārējo skaistumu, bet arī savu varoņu iekšējo pasauli, padarot katru portretu neatkārtojamu un unikālu.
7
Vittorio Regianini "Las īšana" eļļa uz audekla. 1890. g
Tēli Vitorio Redžanīni gleznās šķiet dzīvi — viņu sejas izteiksmes raisa skatītājā daudzveidīgas sajūtas un emocijas.
Viens no mākslinieka atpazīstamākajiem rokraksta elementiem ir audumu faktūras: smalki audumi, mīkstas drapērijas, gaisīgi tilla un zīda slāņi, ko viņš ar izcilu precizitāti attēlo sieviešu tērpos, interjera elementos un mēbeļu apdarē.
Glezna “Lasīšana” atspoguļo Redžanīni interesi par privātuma un personiskās telpas tēmām, uzsverot intelektuālo un estētisko baudījumu nozīmi cilvēka dzīvē.
8
Pie citas sienas redzamas ainas no sengrieķu mitoloģijas — gleznas, kuru reprodukcijas izpildītas uz zīda un dāvinātas Silajāņu muižas īpašniekiem.
Pirmais darbs ir “Persejs” (1869), franču akadēmiskā mākslinieka Žozefa Blāna (Joseph Blanc, 1846–1904) glezna. Oriģināls, gleznota ar eļļu uz audekla, atrodas Orsē muzejā Parīzē. Audekls attēlo vienu no nozīmīgākajiem sengrieķu episkajiem mītiem — Perseja varoņdarbu, glābjot Andromedu. Kompozīcija apvieno klasisko mitoloģiju ar 19. gadsimta akadēmiskās mākslas izsmalcinātību.
Otra reprodukcija, arī izpildīta uz zīda, ir fragments no Noēla Nikolā Koipela (Noël-Nicolas Coypel) gleznas “Eiropas nolaupīšana” (zināma arī kā “Eiropas dzimšana”).
Attēlotajā fragmentā redzams mīta centrālais brīdis — dievs Jupiters baltā vērša veidolā pāri jūrai ved Eiropu, ko pavada jūras dievības.
Šis kustības un jutekliskuma caurstrāvotais sižets uzsver gleznas galveno ideju — kaislības spēku un pārvērtību būtību.
Žozefs Blānk "Persejs" 1869
9
Šis darbs tika radīts karaliskam glezniecības konkursam Francijā un ar laiku kļuva par vienu no slavenākajām šī sengrieķu mīta interpretācijām. Ilgu laiku audekls atradās Žozefa Bonaparta, Napoleona brāļa, kolekcijā, un šobrīd tas tiek glabāts Filadelfijas Mākslas muzejā.
Prezentētā reprodukcija uz zīda attēlo izcelto fragmentu, kas vērš skatītāja uzmanību uz darba emocionālo kodolu — Eiropas skatu un viņas kustības simbolismu iepretim nezināmajam.
Pievērsiet uzmanību, cik simboliska ir katra detaļa — tās nebūtu iespējams ieraudzīt un izjust pilnībā vienas gleznas formātā, tāpēc šeit izcelts un atsevišķi parādīts vissvarīgākais fragments.
Noël-Nicolas Coypel "The Abduction of Europa" 1727
Gleznas augšējā labajā daļā virs Eiropas redzams eņģelis (puto) — viņš lido ar izplestām rokām, radot spēcīgas gaisa straumes iespaidu, it kā tās plēstu telpu un dzītu kustību uz priekšu. Eņģeļu mati, drapērijas un spārni, kā arī ūdens un auduma plūdums ap Eiropas figūru — viss virzīts pa labi, uz austrumiem, kamēr gaisa plūsma no puto ieplūst Eiropā, ietin viņas plandošajā audumā un norāda uz rietumiem. Glezniecībā vēja virziens nekad nav nejaušs — tas vienmēr ir simbolisks un nozīmīgs.
Senajā un kristīgajā tradīcijā rietumi bieži simbolizē nezināmo, pāreju, saulrietu — tātad stāvokļu maiņu. Tas pastiprina attēlotā brīža dramatismu: Eiropa pamet savu līdzšinējo pasauli. Spēcīgā gaisa plūsma rada lidojuma ilūziju, kaislību virpuli un dievišķas iejaukšanās sajūtu.
Saskaņā ar sengrieķu mītu Zeuss baltā vērša izskatā ved Eiropu no Austrummediterānas (Feniķijas) uz rietumiem — uz Krētu, kas gleznas kontekstā interpretējama kā civilizācijas kustība.
Vēji un eņģeļi mākslā bieži simbolizē dievišķu iejaukšanos vai likteņa neizbēgamību. Šeit vējš — kā "debesu griba" — nes Eiropu neatgriezeniskā nākotnē, kur viņa kļūst par jaunas pasaules, kultūras un impēriju simbolu.
Daudzi skatītāji jautā — kāpēc Eiropa raugās uz eņģeli? Mākslā skati vienmēr ir nozīmīgi — tie veido jēdzieniskas saiknes, un, ja ieskatāmies uzmanīgi Eiropas sejas izteiksmē, varam nojaust viņas apziņas robežu brīdi — starp bailēm, padevību un saprašanu, ka viņa ir kļuvusi par daļu no kaut kā lielāka.
Eiropas seja. Detaļa
Viņas seja ir apmulsusi — viņa nepretojas, bet arī nav mierīga. Tas nav sajūsmas skatiens, bet nemierīgs, bažīgs acu skatiens uz augstāku spēku, kas iejaucas viņas liktenī. Skats uz augšu — uz eņģeli — kļūst par alegoriju apziņai, ka viss notiekošais ir ārpus viņas kontroles. Viņa atzīst likteni, bet to nevar mainīt. Šis skatiens savieno viņu ar eņģeli, padarot notiekošo ne tikai par fizisku nolaupīšanu, bet arī par metafizisku aktu — robežu starp cilvēka gribu un augstāko spēku lēmumiem.
Lai arī pats autors, Noēls Nikolā Koipels (Noël-Nicolas Coypel), mūsdienās ir maz pazīstams plašākai publikai, viņš bija viens no godātākajiem franču rokoko stila gleznotājiem. Kopš 1716. gada bija Karaliskās glezniecības un tēlniecības akadēmijas biedrs, bet no 1720. gada — pilntiesīgs akadēmiķis. Viņš pārstāvēja slaveno Koipelu mākslinieku dinastiju — bija jaunākais Noēla Koipela (Louis XIV galma “pirmais gleznotājs” un "grandiozā stila" pārstāvis) dēls, pusbrālis Antuānam Koipelam un tēvocis Šarlam Koipelam.
Noēls-Nikolā mākslas pamatus apguva tēva darbnīcā, bet pēc tēva nāves 1707. gadā turpināja meistarību attīstīt, pētot sengrieķu mākslu un augstā renesanses perioda meistaru darbus, ko atspoguļo viņa kompozīciju alegoriskā dziļuma un estētiskās formas līdzsvars.
Noēla Nikolā Koipela glezna “Eiropas nolaupīšana”, radīta 1727. gadā, ir viņa mitoloģiskās glezniecības triumfs — uzmanība detaļām, gaisīga kompozīcija, maiga erotika, kas izteikta ar krāsu, gaismu un tēlu kustību. Tā iemieso rokoko laikmeta estētiku, vienlaikus saglabājot baroka laikmeta idejiskās atbalsis.
Šo gleznu pasūtīja Luijs XV 1727. gada Salonam — publiskai izstādei Luvrā. (Šī Luvras telpa, pazīstama kā “Salons”, vairāk nekā gadsimtu kalpoja mākslai. Tā tika izveidota pēc Luija XIV arhitekta Lujā Le Vō (Louis Le Vau) projekta, pēc ugunsgrēka 1661. gadā. Tā savieno Apolla galeriju ar Lielo galeriju. Pēc tam, kad Saules karalis 1682. gadā pārcēla galmu uz Versaļu, Salonā no 1692. gada apmetās Karaliskā glezniecības un tēlniecības akadēmija, kas tur rīkoja sanāksmes un publiskās izstādes. Šis notikums kļuva par vienu no galvenajiem Parīzes mākslas dzīves notikumiem, un termins “salons” līdz pat mūsdienām apzīmē nozīmīgas izstādes un mākslas gadatirgus.)
Pēc izstādes gleznai sekoja tipiska 18. gadsimta galma mākslas trajektorija, taču ar interesantiem pavērsieniem. Pēc Salona izstādes tā, iespējams, tika iekļauta karaļa kolekcijā Burbonu pilīs.
Toreiz bija ierasta prakse, ka veiksmīgi Salona darbi kļuva par karaļa īpašumu, īpaši, ja to tēma un izpildījums atbilda galma vai favorītu gaumei. Pēc Lielās franču revolūcijas daļa karaliskās kolekcijas tika nacionalizēta, un arī “Eiropas nolaupīšana” nonāca valsts pārraudzībā un tika iekļauta kā valsts īpašums.
Pēc tam glezna izzuda no publiskās telpas, ilgu laiku nebija dokumentēta, un tikai 20. gadsimta beigās tā atkal parādījās arhīvu ierakstos Amerikā. 1978. gadā to oficiāli iegādājās Filadelfijas mākslas muzejs (ASV) ar Edītes H. Bellas fonda palīdzību, kā arī ar Džona Kadvaladera jaunākā un Bullitu ģimenes līdzdalību (darījums tika veikts maiņas ceļā).
Tādējādi šī izcilā un mitoloģiski iespaidīgā glezna “Eiropas nolaupīšana” ir mērojusi garu ceļu un mūsdienās skatāma Filadelfijas mākslas muzejā augstas kvalitātes reprodukcijas veidā (oriģināls tiek glabāts speciālā arhīvā). Zīda fragments no gleznas tika dāvināts Silajāņu muižas īpašniekiem kā pateicība un cieņas apliecinājums no Edītes H. Bellas fonda par viņu ieguldījumu mākslas vēstures atjaunošanā.
Šī muižas zāle ir dzīvs pierādījums tās īpašnieku izsmalcinātajai gaumei un cieņai pret mākslas mantojumu. Katru skulptūru šajā telpā muižas īpašnieki personīgi izraudzījušies un iegādājušies Itālijā un Francijā, un tās ne tikai papildina telpas eleganci, bet arī atspoguļo dziļu cieņu pret seno amatnieku tradīcijām un mākslu.
Silajāņu muižas un dārzu kompleksa īpašnieki, paši būdami restauratori un mākslinieki, ir ieguldījuši visu savu sirdi šo unikālo vērtību saglabāšanā un atjaunošanā, dāvājot tām jaunu dzīvi šī vēsturiskā nama sienās.
Īpašu uzmanību piesaista sienas rotājošais senais ornaments, kas kādreiz greznoja muižas zāles.
Šis ar īpašu rūpību atjaunotais raksts piešķir telpai unikālu atmosfēru un sasaista to ar pagātni, atgriežot skatītāja domas laikmetā, kad māksla un restaurācijas meistarība bija dzīves neatņemama daļa.
Zāles telpa šķiet kā vēstures gara iemiesojums, kur katrs elements — no skulptūrām līdz sienu rakstiem — stāsta savu stāstu, piepildītu ar tradīcijām, mākslu un mīlestību pret mantojumu.
Konferenču (Tējas) zāle
Šī telpa ir kā ceļojums laikā, smalki sadalīts divos kultūras slāņos.
Labā puse ir veltīta Elizabetes laikmetam — teātra, izsmalcinātu portretu, mežģīņu un pērļu askēzes laikam. Šeit var sajust angļu renesanses elpu, kad glezniecība un kostīms kļuva par statusa, iekšējās pasaules un karaliskās tiesas varenības izpausmi.
Portreti un dekoratīvie elementi atspoguļo karalienes Elizabetes I laikmeta garu – laiku, kad māksla kalpoja kā varas un intelekta spogulis.
Hansa Memlinga slavenā darba "Jaunas sievietes (Sibillas Sambetas) portrets"/ Portrait of a Young Woman fragments, kas radīts ap 1480. gadu. Šis izcilākais Ziemeļu renesanses darbs, gleznots eļļas krāsā uz ozolkoka dēļa, pārsteidz ar savu atturīgo eleganci un dziļu psiholoģisko izteiksmību.
Memlings, viens no vadošajiem 15. gadsimta flāmu meistariem, prata nodot ne tikai savu tēlu ārējo skaistumu, bet arī iekšējo pasauli. Viņa varone ir tā laikmeta sievišķības ideāla kolektīvs tēls: šķīsta, cēla un piesātināta ar mistisku mieru. Šī fragmenta novietojums renesansei veltītajā pusē uzsver saikni ar Itālijas un Ziemeļu renesansi - laiku, kad māksla kļuva par neatņemamu izglītotās klases ikdienas dzīves sastāvdaļu.
Gleznas fragments, proti, rokas, netika izvēlēts nejauši; ļoti maz skatītāju, kas nav mākslas vēsturnieki, var pareizi novērtēt roku semantisko slodzi Hansa Memlinga gleznā. Pievērsiet uzmanību gredzenu izvietojumam - uz pirkstu falangām. Tagad ir modē nēsāt gredzenus uz pirkstu falangām - šī ideja šķiet svaiga un oriģināla. Tomēr, kā jau tas bieži notiek, daudzas labas idejas ir labi aizmirstas vecas. Falangu gredzenu mode neradās pirmo reizi, tā bija īpaši izplatīta viduslaikos. Gredzenu, tostarp falangu, nēsāšana uzsvēra to īpašnieku statusu. Bagāts cilvēks tādējādi parādīja, ka viņa rokas nav aizņemtas ar darbu - citi cilvēki to dara viņa vietā. Turklāt ir skaidri redzams, ka gredzeni uz pirkstu falangām netiek likti nejauši un nevis tāpēc, ka tie "nederēja" uz citiem pirkstiem. Tie ir īpaši izgatavoti šim nolūkam, kas apstiprina gredzenu un to dizaina harmonisko kombināciju. Tomēr paši dizaineri neslēpj, ka viņi iedvesmojas no vēstures. Oriģinālā glezna "Jaunas sievietes portrets" atrodas Memlinga muzejā Beļģijā.
Pēc tam muižas īpašnieki novietoja Džovanni Batistas Salvi da Sasoferrato gleznas "Svētā Cecīlija" kopiju. Arī šī kopija tika īpaši izvēlēta telpai (Svētā Cecīlija ir mūzikas aizbildne, un pati telpa ir veltīta izsmalcinātajai mākslas, relaksācijas un skaistuma pasaulei).
%20Hans%20Memling).jpg)
Portrait of a Young Woman. Hans Memlilng. 1480
Fragment. Hands. Portrait of a Young Woman. Hans Memlilng. 1480
G.B. Salvi da Sassoferrato "Svētā Cecīlija". Eļļa uz audekla. P.b1685
Džovanni Batista Salvi da Sasoferrato. Šis izsmalcinātais mūzikas patroneses tēls šķiet izšķīst sienu rozīgajos un krēmkrāsas toņos, radot mūžīguma un garīga dziļuma sajūtu. Gaisma, kas ieplūst caur logu, it kā no audekla izstarotās gaismas pagarinājums, maigi apgaismo svētās seju, uzsverot viņas mierīgo skatienu un debesu žēlastību.
Glezna aizņem vairāk nekā tikai vietu uz sienas – tā kļūst par klusuma un miera altāri, atgādinājumu par augstāko harmoniju, kur māksla un ticība savijas vienā.
Telpas interjerā var saskatīt atsauces uz itāļu baroka un katoļu misticisma tradīcijām: gaismu atstarojoši spoguļi, klusinātas samta tekstūras, graciozi muzikāli elementi, it kā norādot uz eņģeļu kora neredzamo skaņu, ko varētu dzirdēt pati Svētā Cecīlija.
Sasoferrato, kā viņu bieži dēvē pēc viņa dzimšanas vietas, bija garīga klusuma un godbijīgas svēto attēlu attēlošanas meistars. Viņa stilu spēcīgi ietekmēja Augstās renesanses meistari, īpaši Rafaēls, un tas izcēlās ar kompozīcijas skaidrību, līniju tīrību un krāsu bagātību. Atšķirībā no Romas dramatiskā baroka, Sasoferrato glezniecība ir miera, lūgšanu un gaismas meditācijas pasaule. Svētā Cecīlija, mūzikas un mūziķu aizbildne, šeit ir attēlota ar Sasoferrato raksturīgo maigo graciozitāti un pieticīgo dievbijību.
Viņas seju apgaismo iekšēja gaisma, acis ir nolaistas godbijīgā kontemplācijā vai lūgšanā.
Šis nav tikai svētās portrets, bet gan garīguma un kontemplācijas ikona. Darbs ir gleznots eļļas krāsā uz audekla, tā izmērs ir 72 x 62 cm. Glezna tika iegūta 1966. gadā un ir daļa no Strasbūras Tēlotājmākslas muzeja kolekcijas.
Fragment. G.B. Salvi da Sassoferrato "Saint Cecilia". Oil on canva. P.b1685
Šīs gleznas replikas novietojums šajā telpā netika izvēlēts nejauši – glezna piesaista ar savu līdzsvaroto ritmu, mierīgo krāsu gammu un apbrīnojamo iekšējo gaismu, kas izstaro no figūras.
Šis darbs ir ne tikai izcilas meistarības paraugs, bet arī logs uz baroka jūtīguma pasauli, kur svētums tiek nodots nevis caur drāmu, bet gan caur gaismu, klusumu un mieru.
Blakus atrodas Čārlza Jozefa Gripsa gleznas “Gaidot mīļoto” replika (Karels Jozefs Gripss (1825–1920) dzimis Gravē, Nīderlandē. Viņš studēja Antverpenes Karaliskajā Tēlotājmākslas akadēmijā, specializējoties žanra glezniecībā, attēlojot interjerus ar sievietēm, kas iesaistītas ikdienas aktivitātēs. Viņa darbus izceļ uzmanība detaļām, gaismas un ēnas izmantošana, kas atgādina 17. gadsimta holandiešu meistaru stilu).
Šī glezna šeit tika izvēlēta arī pamatota iemesla dēļ – pievērsiet uzmanību mierīgajai sievietes figūrai, kura gaismas un ēnu spēlē uz gaismas pielieta loga fona "pucējas", kas savijas ar gleznu "gleznā", kur meitenes figūra ar audumiem, kas atmetušies uz pleciem, nedaudz atsaucas uz palaidnībām, gaidot mīļoto cilvēku.
Māksliniece īpašu uzmanību pievērš vides detaļām: mēbelēm, tekstilizstrādājumiem, dekoratīvajiem elementiem, radot komforta un miera atmosfēru. Tāpat kā pati tējas istaba, kurā atrodaties, ir smalks teātra mākslas un miera savijums, tā arī glezna atspoguļo mākslu un mierīgu, pārdomātu ikdienas dzīvi sulīgos, detaļām piepildītos interjeros. Vērts atzīmēt, ka Čārlzam Džozefam Gripsam ir vairākas gleznas, kas vizuāli atgādina "mīļotā cilvēka gaidīšanu", taču ar variācijām detaļās un sižetos.
Čārlzs Džozefs Grips bieži attēloja mājīgus interjerus ar sievietēm, kas iesaistītas ikdienas aktivitātēs, un kompozīcijās bieži iekļāva kaķus.
Charles Joseph Grips's “Waiting for the Beloved” 1894
Līdzīgu Gripsa darbu piemēri:
"Rotaļu laiks" Šajā gleznā attēlota sieviete savā virtuvē ar kaķi. Interjers, aizkari un kompozīcija atgādina gleznu "gaidot mīļāko", taču aina ir dzīvāka.
Vēl viena viņa glezna, "Iespēja dara zagli" (1875). Šajā gleznā attēlota kalpone, kas slauka bagātīgi mēbelētas istabas grīdu. Viņas skatiens ir vērsts uz leju un ziņkārīgs, kas liek skatītājam apšaubīt viņas nodomus. Kaķis ainā piešķir palaidnības elementu.
Šie darbi parāda, kā Grips variēja kompozīcijas, vienlaikus saglabājot atpazīstamu stilu un atmosfēru. Jāatzīmē, ka S. D. Gripsa gleznām vienmēr ir vienota strukturāla kompozīcija — sievietes figūras vieglums, izceltas drapērijas un kāds "spēles elements", piemēram, mājdzīvnieks vai glezna.
Taču tieši šajā tējas istabā Apple Manor & Garden Complex īpašnieki izvēlējās novietot gleznu "Gaidot mīļāko", jo tā vislabāk atspoguļo sievietes nesteidzīgo, mierīgo pozu — paskatieties, cik brīva un nepiespiesta viņa ir savā pozā — viena roka atpaliek uz palodzes, otra pielabo matus — viņas mājas ir pilnas miera un klusuma, vienlaikus arī greznības un rotaļīguma.
"Opportunity Makes a Thief" (1875)
"Playtime" (1894)
Vēl viena replika — Francijas karalienes Elizabetes no Austrijas portrets, ko ap 1571. gadu gleznojis Fransuā Kluē, ir izcils renesanses laika franču portretu paraugs..
Fransuā Kluē "Austrijas Elizabetes, Francijas karalienes, portrets" apm. 1571. gads
Šo kopiju no Luvras muzeja iegādājās īpašuma īpašnieki un novietoja Tējas istabā.
Austrijas Elizabetes portrets, tāpat kā citas gleznas telpā, netika izvēlēts nejauši, jo telpa ir veltīta klusai atpūtai, kostīmu vēsturei, teātrim, mūzikai - un šajā portretā īpaša uzmanība tiek pievērsta bagātīgi dekorētajam tērpam ar izšuvumu apdari un, protams, mežģīņu apkaklei - ievērojiet, cik detalizēti tas ir apgleznots, kā tiek uzsvērta tā izsmalcinātība un vieglums (ņemot vērā, ka glezna tika radīta 1571. gadā, kas šajā laikmetā bija neparasti šādai audumu detalizācijai).
Fransuā Kluē bija pazīstams ar savu spēju precīzi atveidot savu modeļu sejas vaibstus un raksturu. Viņa darbi izceļas ar uzmanību detaļām, īpaši apģērba un aksesuāru attēlojumā. Austrijas Elizabetes portrets demonstrē šīs īpašības: katra detaļa, sākot no izšuvumiem uz kleitas līdz rotaslietām, ir izpildīta ar augstu precizitāti. Interesanti atzīmēt, ka Kluē, iespējams, par pamatu šai gleznai izmantoja sākotnējo zīmējumu melnā un sarkanā krītā. Tas apliecina viņa rūpīgo pieeju portretu gleznošanai un vēlmi pēc precizitātes. Interesanti atzīmēt, ka pastāv arī citas šī portreta versijas, kas piedēvētas Kluē vai viņa darbnīcai. Viena no tām glabājas Kondē muzejā Šantijī. Tas apliecina Austrijas Elizabetes tēla popularitāti tajā laikā un plaši izplatīto praksi kopēt karaliskās ģimenes locekļu portretus. Šī Fransuā Kluē glezna atrodas privātkolekcijā un nav pieejama publiskai apskatei.
Šī ir Gabriela Metsu gleznas “Jauneklis raksta vēstuli” (apm. 1662.–1665. g.) kopija.
Tāpat kā autors Gabriels Metsu, kurš gleznoja šo gleznu, ir pārī ar “jaunu sievieti, kas lasa vēstuli”, šajā telpā tā ir novietota precīzi tādā formātā, kas atspoguļo detaļas un telpas vispārējo stilu un ideju – “jauneklis raksta vēstuli” kļūst par gandrīz “dzīvu” telpas un visas ainas dalībnieku.Jauneklis, iespējams, raksta mīlestības vēstuli. Varbūt diplomātisku. Varbūt grēksūdzi. Mēs nezinām... Šī divdomība padara gleznu dzīvīgu un tuvu mūsdienu skatītājam, piešķirot tai pastāvīgu aktualitāti – īpaši īsziņu un digitālās tuvības laikmetā. Pievērsiet īpašu uzmanību detaļu bagātībai – atkal tās pašas sulīgās drapērijas kā Čārlza Džozefa Gripsa gleznā "Gaidot mīļoto", atkal nepārprotams "gleznu pārnesums gleznā", jo pa labi no jaunā vīrieša atrodas vēl viena glezna, kurā attēlota ainava (un, kā atceraties no otras zāles, elementu izvietojums kardinālajos punktos vienmēr ir simbolisks), kas nozīmē, ka viņa domas ir aizņemtas ar kaut ko vieglu, maigu, gaisīgu, varbūt viņš sapņo par mīlestību, savukārt kreisajā pusē aiz smagajām restēm uz ēnas fona ir gaismas lode, kas rada norādi uz to, ka viņš ir aizņemts ar kaut ko, kaut kādu koncentrētu darbu, un jauneklis ir ļoti gudrs.
Glezna tika izvēlēta ne tikai kā dekorācija, bet arī kā atslēga uz telpas iekšējo saturu – kad māksla ir intelekta spēka un skaistuma spogulis.
Un pēdējais akords ir interjera glezna. Šeit dominē baltā krāsa, radot vieglas, gandrīz īslaicīgas greznības atmosfēru.
Šī telpa nav ierobežota ar kādu konkrētu vēsturisku stilu vai māksliniecisku virzienu, bet gan ir unikāla kompozīcija, kas veidota no rūpīgi atlasītiem elementiem, kas savijas, radot īpašu atmosfēru.
Šajā interjerā, tāpat kā Silajanu muižā, nav stingras saistības ar vienu laiku vai mākslas kustību.
Šeit antīkās skulptūras, bareljefi, mēbeles un dekoratīvie elementi apvienojas, radot kaut ko vairāk nekā tikai dizaina koncepciju. Katrs priekšmets, šķiet, stāsta savu stāstu, un kopā tie veido holistisku telpu, kur senie mākslas elementi satiekas ar greznību un teatralitāti.
Man Writing a Letter. Gabriël Metsu. ca. 1662-1665
Interesants elements ir galminieka figūras klātbūtne, kas attēlota kā melnādains vīrietis, kas piešķir vēl vienu nozīmīguma slāni.
Šis apzinātais attēls kalpo kā kultūru, bagātības un daudzveidības sajaukuma simbols un uzsver rotaļīgo atmosfēru, kurā māksla, teātris un dzīves krāšņums savijas ar lēnuma un miera sajūtu.
Pievērsiet uzmanību kreisajai pusei.
Kreisā puse, gluži pretēji, mūs atsauc uz itāļu renesansi – gaismas, atklājumu un cilvēka brīvības laikmetu. Šeit ir tā laika karnevāla tērpa fragments, kas mūs iegremdē Venēcijas svētku, teatralitātes un jutekliskā krāšņuma atmosfērā.
Dekors ir piepildīts ar dzīvību, vieglu greznību un smalku kultūras alūziju spēli. Kompozīcijas centrā ir Sandro Botičelli uz zīda drukātas freskas fragments – Kristus kārdināšana (itāļu: Tentaciones de Cristo), gleznota laika posmā no 1480. līdz 1482.
gadam. Tā atrodas Siksta kapelā uz ziemeļu sienas. Tāpat kā citas freskas, tā atrodas 10 metru augstumā no grīdas un ir visu Kristus dzīvei veltīto fresku cikls, šajā freskā Sandro Botičelli apzināti paslēpa galveno figūru – Kristu, patiesībā, fonā, un priekšplānā izvirzīja otrā plāna figūras. Šajā telpā ievietotais freskas fragments mūsdienīgā interpretācijā tiek uzskatīts par vietu, kas savieno divus pilnīgi atšķirīgus kultūras laikmetus: renesansi, kad māksla bija piesātināta ar reliģisko simboliku un filozofiju, un Elizabetes I laikmetu, kurā tika vērtēta teatralitāte, simbolika un izsmalcināta estētika.
Interjers atspoguļo dziļu harmoniju starp seno mākslu un vēlākām kultūras ietekmēm, radot īpašu atmosfēru, kurā satiekas dažādi vēstures slāņi. Šīs dubultās simfonijas centrā ir spoguļots tējas galdiņš.
Liels spogulis, kas novietots tā, lai atstarotu gaismu un telpu, pastiprina dziļuma un gaisīguma sajūtu. Tas ne tikai piepilda telpu ar mirdzumu, bet arī rada buržuāziska salona efektu – vietu, kur cilvēki pulcējās sarunām, pārdomām un mākslas baudīšanai.
Šī telpa atspoguļo visa īpašuma būtību – laikmetu, kultūru un estētikas savijumu, kas apvienots vienā telpā, kur pagātne kļūst par daļu no dzīvās tagadnes.